COSAS DE FIN DE AÑO

Este artículo es un divertimento en tiempo de mudanza. Un pasatiempo y un
recordatorio, una nota autobiográfica con un pie en el Diseño y el otro en la
Comunicación. Y acompañado con algunas reflexiones.

Joan Costa

COSAS DE FIN DE AÑO

 

GANADORES DE LA FECON 2015

La Feria del Conocimiento (FECON) se inicio el año 2002, tiene como principal objetivo dar a conocer al público en general, el trabajo y la producción de los mejores estudiantes de ATENEA; al mismo tiempo promueve la vinculación laboral de los estudiantes con empresas que demandan servicios técnicos calificados.

Los objetivos específicos que se propone ATENEA en la feria son:

  • Promover en los estudiantes la producción técnica en un ambiente de conocimiento y creatividad.
  • Crear un espacio de exposición pública de los mejores trabajos desarrollados por los estudiantes.
  • Promover la vinculación laboral entre estudiantes de últimos cursos y empresarios que demandan servicios técnicos en las especialidades de; Diseño Editorial, Manual de Identidad Corpoprativa, Web Site, Producción Audiovisual, Técnico Bancario y Hardware & Redes.

En esta 13ra. Versión de la Feria del Conocimiento (FECON) tuvimos como ganadores:

DISEÑO EDITORIAL

  • 1er. Lugar ATENEA DE ORO Erick Sainz – Proyecto: ARDI GRAF
  • 2do. Lugar ATENEA DE PLATA Geraldine Paredes – Proyecto: APRENDO
  • 3er. Lugar ATENEA DE BRONCE Mario Ramos – Proyecto: ROCK

MANUAL DE IDENTIDAD CORPORATIVA

  • 1er. Lugar ATENEA DE ORO Manu Aquize – Proyecto: ROCIO FAST FOOD
  • 2do. Lugar ATENEA DE PLATA Tatiana Flores – Proyecto: ENTROPIA
  • 3er. Lugar ATENEA DE BRONCE Carolina Limachi – Proyecto: AUTOMOTIVOS REYMAR

WEB SITE

  • 1er. Lugar ATENEA DE ORO Jorge Justo – Proyecto: RESTAURANT SAJAMA
  • 2do. Lugar ATENEA DE PLATA Javier Ramirez – Proyecto: SCAN-TEL
  • 3er. Lugar ATENEA DE BRONCE Miguel Arauz – Proyecto: COMPU GRAF

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL

  • 1er. Lugar ATENEA DE ORO Verónica Amorraga/José Gutierrez – Proyecto: ¿ASI QUE QUIERES SER ESCRITOR?
  • 2do. Lugar ATENEA DE PLATA Nancy Lima/Roxana Mendieta/Ysrael Mendoza – Proyecto: IMAGINARIOS URBANOS

PROYECTO DE GRADO

  • 1er. Lugar ATENEA DE ORO Manuel Apaza – Proyecto: PROPUESTA ICONOGRÁFICA DE LOS RASGOS CULTURALES EN LAS TRADICIONES DE LA CIUDAD DE LA PAZ
  • 2do. Lugar ATENEA DE PLATA Josadan Barrios – Proyecto: MANUAL DE MARCA PARA EL INSTITUTO DE INVESTIGACIONES MECÁNICAS Y ELCTROMECÁNICAS DE LA UMSA
  • 3er. Lugar ATENEA DE BRONCE Mariela Calleja – Proyecto: MATERIAL DIDÁCTICO VISUAL PARA NIÑOS CON DISCAPACIDAD AUDITIVA DE  3 A 5 AÑOS PARA PROMOVER HABILIDADES ADAPTATIVAS

TÉCNICO BANCARIO

  • 1er Lugar ATENEA DE ORO Williams Lima – Proyecto: PROYECTOS DE INVERSIÓN PARA LA PRODUCCIÓN Y COMERZIALIZACIÓN DE CALZADOS
  • 2do Lugar ATENEA DE PLATA Roger Ferrer – Proyecto: MICROEMPRENDIMIENTO FABRICACIÓN DE PELUCHES IMNOVADORES
  • 2do Lugar ATENEA DE PLATA Joel Alarcon – Proyecto: PRODUCCIÓN Y COMERCIALIZACIÓN DE BOLSAS ECOLÓGICAS
  • 3er. Lugar ATENEA DE BRONCE Paolo Michel – Proyecto: PUNTO DE RECLAMOS SARC.2

 

HARDWARE Y REDES

  • 1er. Lugar ATENEA DE ORO Lucio Flores – Proyecto: COMO DIAGNOSTICAR LAS FALLAS DE UNA FUENTE DE ENERGÍA
  • 2do. Lugar ATENEA DE PLATA Erik Aguilar – Proyecto: ENRUTAMIENTO ESTÁTICO Y DINÁMICO
  • 3er. Lugar ATENEA DE BRONCE Marco Jimenez – Proyecto: EDUCACIÓN DIGITAL EN NIÑOS Y ADOLESCENTES

 

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PREMIO EMPRENDEDORES Y CULTURA EMPRENDEDORA

Estudiantes del Instituto Técnico Superior ATENEA fueron premiados el pasado viernes 19 de Noviembre al haber obtenido el primer lugar en el concurso «Premio Emprendedores y Cultura Emprendedora» en el área de «Modelo de Negocio».

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La Dirección General y Plantel Docente del Instituto felicitan a los estudiantes por el esfuerzo realizado al haber obtenido el primer lugar en el concurso «Premio Emprendedores y Cultura Emprendedora» además de poner en alto el nombre de nuestra institución, son una muestra clara de la calidad en educación que brindamos a nuestros estudiantes.

Dirección General ATENEA

Un siglo de publicidad gráfica en Bolivia

Por: Sergio Calderón

Nuestra sociedad no tiene ningún documento sobre la publicidad en Bolivia, por eso considero valioso definir etapas de diseño gráfico que se pudo identificar desde el año 1905 hasta el 2005 en diferentes periódicos de nuestro país.

La publicidad en Bolivia fue avanzando de acuerdo a los productos que se lanzaban al mercado y a la tecnología que ayudaba a mejorar la reproducción gráfica de cada pieza publicitaria.

En los periódicos de Bolivia, “El Diario”, “El Estado” y “El Comercio de Bolivia”, poco a poco se fueron reproduciendo publicidades. Los periódicos durante los años 1905 hasta 1960 se reproducían en imprentas nacionales de la época, las cuales trabajaban empíricamente y el momento de observar el periódico se notaba errores de impresión en las fotografías y en la misma reproducción del periódico.

A partir de 1970 las técnicas de reproducción gráfica mejoraron y por lo tanto las piezas publicitarias también, podía observarse mejor reproducción de fotografías y reproducción de colores en los diferentes matutinos.

Los avances tecnológicos aportaron a la publicidad , y en los años noventa se tenían periódicos de mejor calidad en cuanto al papel, fotografía y composición de diseño gráfico.

El año 1990 las publicidades para automóviles se empezaron reproducir masivamente, la imagen era clave en las publicidades, por lo tanto el poder de la publicidad era la imagen.

Durante los años 1995 hasta el 2005, las universidades, canales de televisión y empresas de telecomunicaciones eran los que más invertían en piezas publicitarias gráficas.

La publicidad es estos 100 años se divide en cuatro etapas de diseño y publicidad:

1. Publicidad textual (Monomedia)

En esta etapa la publicidad estaba compuesta solo por tipografía, carecían de imágenes, no existía publicidad de productos, sin embargo existían muchos avisos de la empresa de ferrocarriles, en los cuales se informaba sobre los horarios y costos de los pasajes. El momento de auge de la publicidad textual fue de 1908 hasta el año 1918.

2. Publicidad ilustrada (Bimedia)

La publicidad bimedia esta compuesta de tipografía e ilustración, la ilustración era realizada por artistas de la época, algunas publicidades ocupaban hasta media página del periódico, el diseño utilizaban mucha tipografía en bold, la ilustración era muy ornamentada y realista. El momento de auge de esta publicidad fue del año 1910 al año 1940.

3. Publicidad figurativa (fotografía)

Empezó a reproducirse en 1925, la calidad no era buena, y todavía la mayoría de las publicidades utilizaba ilustración, se denomina a esta etapa figurativa porque la fotografía se acerca mucho más a la realidad que la ilustración.

4. Publicidad figurativa a color (fotografía a color)

Empezó a reproducirse en 1980 y en el año 1900 tuvo su época de auge, en esta época ya existían agencias de publicidad diseñaban las piezas gráficas, muchos canales de televisión y empresas de telecomunicaciones invertían en publicidad en diferentes periódicos de país.

GANADORES DEL CONCURSO DE CARTELES LAZOS DE HERMANDAD BOLIVIA – COREA

En el marco del concurso de carteles denominado «Lazos de Hermandad Bolivia – Corea (50 Aniversario)» y con la presencia del jurado calificador:

  • Srta. Jungme Park – Representante de KOIKA
  • Ing. Fabricio Calderón – Director General de ATENEA
  • Lic. Ana María Ramírez – Directora Ejecutiva de ATENEA
  • Lic. Andrés Quiroga – Docente de ATENEA
  • Lic. María Huici – Docente de ATENEA

Se procedio a la elección del cartel ganador en fecha 3 de noviembre de la presente gestión en instalaciones del Instituto Técnico Superior ATENEA, teniendo como ganadores:

1er_daniel_mamani1er. Lugar – Daniel Javier

 

2do_israel_mendoza2do. Lugar – Israel Mendoza

 

3er_fernanda_ramirez3er. Lugar – Fernanda Ramírez

 

Los premios serán entregados públicamente en instalaciones del Instituto Técnico Superior ATENEA el lunes 9 de Noviembre a las 11:00 hrs.

La Dirección General y Plantel Docente del Instituto Técnico Superior ATENEA agradecen a los estudiantes de los distintos módulos por su participación en el concurso de carteles «Lazos de Hermandad Bolivia – Corea (50 Aniversario)» y los invitan a seguir participando de los diferentes concursos que organiza nuestra institución.

 

Dirección General ATENEA

BOCETAJE Y CREATIVIDAD

Por: Andrés Quiroga Álvarez Daza

El bocetaje puede ser entendido como “un elemento indispensable en la descripción y articulación representativa de los trazos que responden a los gestos propios del proceso creativo”(Rodriguez Aranda, 2009). Este elemento o proceso ha sido ampliamente estudiado y debatido a lo largo de la historia, y el estudiante de diseño del Siglo XXI estaría incurriendo en un terrible error al evitarlo, negarlo y reemplazarlo por un ordenador.

Las ventajas del bocetaje

Las ventajas del bocetaje fueron claramente expuestas por Rodhe en Chacón (2012, “Bocetaje y sus beneficios en el proceso de diseño”), las cuales podemos enumerar de la siguiente forma:

  • Inmediatez. Que implica el apunte espontaneo de ideas tanto de forma gráfica como de forma escrita o una combinación de estos. Esta acción es generadora de nuevas ideas e infinitas combinaciones y relaciones nuevas de ideas. Simplemente hay que dejar que la mano fluya en conexión íntima con el mente.
  • Exploración de diversas alternativas. Las ventajas del bocetaje radican en su flexibilidad, mutación y evolución espontanea.
  • Promoción del debate. Enseñar un boceto a un cliente o colega, indica Rodhe, nos da la posibilidad de intercambiar opiniones, ya que se trata de un prototipo, un diseño provisional. “La gente se siente cómoda frente un boceto, en el sentido de sugerir cambios y mejoras en la estructura del diseño”.

Ciertamente el proceso de bocetaje sirve para plasmar una idea que se encuentra difusa en la mente. Bocetar en papel responde al gesto de la mano, o mejor dicho al gesto de la mente hecho trazo en el papel (a través de la mano). Una línea en la superficie bi-dimensional del papel es en sí una línea de pensamiento.

Alimentar la mente

La inseguridad de un estudiante al momento de bocetar muchas veces radica en la clásica preocupación: “no se dibujar bien”, pero hay que saber que no se necesita ser un gran dibujante para bocetar una idea; esta acción, necesaria en todo proceso de creación grafica, responde a lo que existe en nuestra mente, pero ¿qué se puede bocetar si nuestra mente no genera ideas?

Si nuestra mente parece un pozo seco es porque no esta bien alimentada, entonces ¿cómo se puede alimentar la mente?

Las respuestas aquí son bastante interesantes: leer, ver buen cine, ver fotografías, apreciar magníficos trabajos de ilustración, pintura, escultura, etc. En otras palabras inspirarse, adquirir influencias, admirar el trabajo de otros diseñadores, generar referentes.

Si se tiene una mente nutrida habrán ideas para plasmar en el papel.

Analizar la realidad

Otra forma de alimentar la mente consiste en observar y analizar la realidad. Muchas veces se puede tener la respuesta a un problema de diseño simplemente con elevar la mirada mas allá del Smartphone, en la calle, la habitación o el patio trasero. Salir del mundo bidimensional de la pantalla y adentrarse en las complejas dimensiones de la realidad. Para poder capturar esta realidad, desde un humilde punto de vista, no hay nada más enriquecedor que un sketchbook o cuaderno de bocetos y apuntes.

Capturar las formas, proporciones, y relaciones espaciales que interactúan en la realidad, en un cuaderno de apuntes y bocetos, es un gran ejercicio para nuestros ojos, manos y mente.

Con el pasar del tiempo uno/a se dará cuenta que ha cosechado un puñado de “cuadernillos” (quizá con los años una centena de ellos), una suerte de back up mental que más adelante podría servirnos de bagaje para la creación de un logo, una ilustración, una composición fotográfica, un afiche o algún tipo proyecto gráfico. La clave es, no pensar en el Ahora, ya que “eso” que se captura en el momento no quizá no servirá específicamente para el proyecto de turno, pero quién sabe qué cosas magnificas se pueden encontrar en un “cuadernillo” de hace tres años (?).

Esta actitud y visión analítica es vital para fortalecer la inteligencia espacial, nuestra sensibilidad estética y visión geometrizante.

Es interesante pensar cómo un cuaderno de este tipo puede convertirse en una extensión de nuestra mente, ya que al dibujar (imagen) y anotar (texto) estamos poniendo -de alguna forma- en orden las “carpetas” de nuestra mente.

Leon Tostoi en su juventud tenia un confidente, un ente al que contaba sin miedo todas sus aflicciones, pensamientos, reflexiones y pecados. Así, en el contexto de la vieja Rusia, se desnudaba sin miedo todas las noches bajo la mirada fría, inerte de su diario. Un cuadernillo debe ser eso en la vida de un diseñador, un confidente, al cual sin miedo le contamos nuestras ideas y pensamientos, un ente inerte donde podemos transformar el “concepto” en “percepto”.

En este contexto el miedo a equivocarse (peor enemigo de la creatividad) parece desvanecerse. Es básicamente agarrar confianza en uno mismo, ver lo que somos capaces de hacer, ver las radiografías de nuestra mente.

DEL MASS MEDIA AL STREAMING

Por: Rodrigo Argandoña Roca

Youtube, Vimeo, Facebook, Whatsapp, Spotify, Soundcloud y cientos de medios alternativos de comunicación personal tras algunos años vigentes se han convertido en verdaderos colosos de la difusión, información y comunicación.

Día tras día puedo ver como la era de la televisión tal como la conocemos va concluyendo, y da paso a una nueva era, la era del Streaming que llega como una ola que arrasa con todo a su paso y llega con la fuerza necesaria para establecerse permanentemente.

Pongámonos serios, para realizar un programa de televisión medianamente rentable tenemos que sacar la calculadora y empezar a calcular una cifra con bastantes ceros detrás de un punto, La comunicación televisiva es muy costosa y esto solo hablando en términos de difusión.

Este hecho la ha restringido a convertirse en una exclusividad de empresas con utilidades altas, empresas grandes que pueden costear ese tipo de anuncios, pero aun así la cosa se pone difícil para la TV, habremos notado todos que cada vez un programa requiere de más tandas publicitarias para subsistir, la TV vive tiempos difíciles, y es que tras varias décadas de dominio y superioridad en los medios masivos de comunicación, le ha llegado un competidor fiero “El Internet”.

Y esto se aplica a todo pues la aceleración en las comunicaciones, hace que ahora tengamos un medio de comunicación completamente funcional en el bolsillo, con un Smartphone puedes hacer llegar la información a nivel mundial en cuestión de minutos y además lo más importante es que todos tenemos el poder y los medios para hacerlo.

Lo interesante es que tambien genera un cambio en el lenguaje, antes un editor de contenidos en un canal de televisión realizaba un filtro y decidía que es lo que tenemos que ver, que es lo que no tenemos que ver, cuanta de esa realidad ver, y por último si lo voy a ver o no.

Pero ahora es mi opinión la que puede salir “al aire”, yo ciudadano de a pie puedo dar a conocer mi propio punto de vista y llegar masivamente para hacerlo conocer, si tengo éxito miles de personas empezaran a compartir mi contenido y en minutos tendré llegada mundial y no solo eso, sino una retroalimentación, pues así como yo puedo opinar, todos los demás seres conectados, me pueden responder.

Creo yo que el acceso al internet hace que las personas tengan un medio de comunicación Horizontal que antes no existía, me parece que por ahí va la razón del éxito rotundo de las redes sociales, que transmutan y evolucionan en un medio de comunicación mucho más abierto que el resto de medios.

Pero OJO que abierto no significa “creíble” pues tambien llega la desventaja de que personas con y sin formación empiezan a convertirse en emisores masivos de comunicación y ese es un riesgo considerable, pues ahora hay que realizar ese filtro de manera personal y consciente ya que no se puede creer en el 100% de la información encontrada en el Internet.

Pero es inevitable ver cosas interesantes que transcurren a raíz de este hecho, la primera y más importante de ellas, el audiovisual se convierte en una herramienta que no es exclusiva de los canales de televisión, ahora podemos usar video a costos muy reducidos y llegar a más cantidad de gente que la TV, esto ha diversificado los géneros audiovisuales, nace el videoblog por ejemplo que es la punta de lanza de la comunicación y la expresión a niveles masivos, y tenemos a los denominados “Youtube Partners” quienes generan un feedback instantáneo que miles de canales televisivos quisieran, por nombrar algunos ejemplos:

  • Elrubiusomg (canal de youtube) con 13.801.219 suscriptores
  • Drossrotzank (canal de youtube) con 6.772.969 suscriptores
  • Smosh (Canal de youtube) con 21.194.425 suscriptores

Cifras impresionantes que se multiplican fácilmente por 10 si tenemos en cuenta las visualizaciones sin suscripción, algo que evoluciona y crece sin medida.

Es importante prestar atención a estos fenómenos, pues marcarán un antes y un después en la forma de producir y consumir comunicación en nuestra vida cotidiana.

La máquina publicitaria ya hace uso de estos medios de comunicación, la maquina informativa tambien ha empezado lentamente una migración al internet, bastante lenta como nos muestran las cifras.

  • BBC NEWS (canal de youtube) con 546.281 suscriptores
  • CNN (canal de youtube) con 969.110 suscriptores

Hay que ser conscientes de estos cambios y hay que ser realistas, la comunicación ha cambiado, el streaming ha llegado para quedarse, y debemos actuar en consecuencia generando propuestas y contenidos responsables para educar a una sociedad que paso de ser receptora a ser emisora.

FUENTES

www.youtube.com

COMO HACER UN BRIEFING PARA UN LOGOTIPO?

Por: Israel Orozco Castro

La pregunta que todo Comunicador Visual y Diseñador Gráfico se hace: ¿Cómo creo un logotipo? y ¿Qué aspectos tomo en cuenta?

EL BRIEFING

No debemos cometer el error que cometen muchos al empezar a crear una pieza comunicacional sin haber obtenido la suficiente información sobre el cliente y que quiere transmitir con su imagen. Para lograr obtener información sobre nuestros clientes de forma clara y organizada el Briefing es un documento OBLIGATORIO. Mediante el Briefing podemos llegar a conocer muy bien cuáles son las necesidades concretas del cliente y diseñar su logotipo y otros materiales entendiendo muy bien lo que quiere representar su marca.

Para crear este documento debemos desarrollar un cuestionario para que el cliente lo llene; y además reunirnos (una, o las veces que se requiera) con el cliente para obtener toda la información requerida en este proceso. A continuación están algunas preguntas que deberán incluirse en una reunión para crear el Briefing: 

EMPRESA

  • ¿Cómo se llama la empresa / organización?
  • El nombre que aparecerá en el logo (naming)
  • ¿Qué diferencia a tu empresa de las demás?
  • ¿Qué servicios o productos proporciona tu empresa?
  • ¿Por qué debería elegir su empresa y no a la competencia?
  • ¿Cuántos años tiene la empresa en el mercado?
  • ¿Cuáles son las fortalezas y debilidades de tu empresa?
  • ¿Cuál es la visión de la empresa a mediano y largo plazo?
  • ¿Quién es el principal competidor?
  • ¿Qué lo motivó a empezar este negocio / organización?

BRANDING / MARCA

El LOGOTIPO es un signo gráfico que identifica a una persona, producto o empresa (MARCA) es el punto importante dentro de todo lo que encierra la imagen de marca, la IMAGEN (nombre, comportamiento, lenguaje, tono de comunicación, signos gráficos, proyección) es la percepción de la proyección; es decir proyectar lo que queremos que piensen de la marca. La imagen siempre tiene que estar en relación con la identidad. La IDENTIDAD (Personalidad, valores, misión, visión, promesa, producto o servicio, concepto, etc.) es un conjunto de elementos característicos que construye una marca. La creación desarrollo y gestión de la identidad e imagen de marca se llama BRANDING, y el branding es crear un concepto y filosofía de marca que estén en relación y se vean reflejados en quien soy, como lo proyecto, como lo sustento y que experiencia ofresco.

 

 

El branding toca y mueve emociones, cambia nuestro comportamiento, cambia nuestro ánimo. En el branding interviene el color, la tipografía, el lenguaje y el espacio. Además el branding crea su propio camino, crea sus propias reglas, puede ser mejorado constantemente en vista de nuevos retos para poder encontrar la forma de comunicar los mensajes de manera óptima. Algunas marcas se convierten en grandes marcas porque conectan con las personas, crean lasos, construyen experiencias a nivel emocional. Estas experiencias crean una relación con los receptores.

Continuando con las preguntas para el Briefing:

  • Si tuviera que describir su empresa, en una palabra, ¿cuál sería? ¿por qué?
  • Si sus clientes tuvieran que describir su empresa, en una palabra, ¿cuál sería? ¿por qué?
  • ¿Tiene un logotipo actualmente?
  • (Si la respuesta anterior es afirmativa) ¿Qué elementos de su logotipo anterior le gustaría conservar?
  • ¿Cuál es la razón de la modificación o rediseño de su logo?
  • ¿Cuántos años tiene su logo actual?
  • ¿Cuál es el posicionamiento o la misión de su empresa?
  • ¿Su empresa tiene un lema o slogan que se debe incluir con el logo?
  • ¿Por qué espera que sea conocida tu empresa o marca?
  • ¿Qué es lo que sus clientes reconocen primero cuando ven su logotipo?
  • ¿Por qué su empresa utiliza esos colores, fuentes, formas etc.? 

PREFERENCIAS DEL DISEÑO

  • ¿Qué paletas / gama de colores prefiere? ¿por qué?
  • ¿Dónde se utilizará principalmente el logotipo?
  • ¿Hay algún elemento que quiera que aparezca en el logo?
  • En su opinión, ¿qué define un logotipo bien diseñado?
  • ¿Cuál es su preferencia, en referencia a los iconos, tipografía, colores etc.?
  • ¿Qué restricciones, en su caso, podría existir sobre el logo?
  • ¿Cuáles son las posibles aplicaciones en las que se utilizará este logo? 

PÚBLICO OBJETIVO / TARGET

  • ¿Quién es el público objetivo principal? (Quién es más probable que utilice tus servicios / productos?)
  • ¿Quién utiliza actualmente el producto / servicio más?
  • ¿Cómo planea concentrarse en su público objetivo?
  • ¿Cuáles son sus principales formas de hacer publicidad?
  • ¿Cómo se enteran la mayoría de los clientes acerca de su empresa / servicio o producto?
  • ¿Cuál es el nivel de ingresos promedio de su público objetivo?

Toda la información obtenida de las respuestas a estas preguntas ayudarán a identificar las características con las cuales debemos diseñar el logotipo y los demás materiales para el cliente.

INVESTIGACIÓN

Asi como para el diseño de un nuevo logotipo o la actualización de uno ya existente; el diseñador deberá dedicar varias horas a la investigación de la empresa, sus productos el público objetivo.

Por último el diseñafor deberá investigar la línea de servicios o productos que ofrece el cliente para tener un referente en este sector.

Es importante que el cliente también se involucre y provea ejemplos de materiales / logotipos que le agradan. Sin estas referencias gráficas de lo que le gusta será difícil llenar sus expectativas. Eso sí, el cliente deberá respetar el proceso creativo y el criterio profesional. Todos sabemos que el diseño gráfico va mucho más allá de los gustos estéticos.

Esta fase puede llevarte tanto tiempo como consideres hasta sentirte preparado y totalmente informado sobre todos los factores que rodean a la empresa. 

LLUVIA DE IDEAS

Una vez recolectada la mayor cantidad de información posible, es momento de enfocarnos y concentrarnos en una lluvia de ideas. Durante este proceso analizamos y formulamos ideas en base a toda la información recolectada en el briefing.

TIPOGRAFÍA

Buscar tipografías en sitios web, la coherencia y la armonía en los detalles es muy importante, muchas veces lo complicado es elegir la tipografía que acompañara a nuestro logotipo, la estrategia está en descubrir que códigos encierra nuestro isotipo para llegar al uso adecuado de la tipografía correcta (Clasificación tipográfica, variables visuales, mayúsculas o minúsculas y el uso de la retórica tipográfica).

BOCETOS Y DISEÑO

En esta fase comenzamos el proceso de diseño, el cual nos puede intimidar. Lo importante no es que los dibujos sean perfectos; esta es la fase de creación de ideas y bocetos para desarrollar un concepto acorde a todo lo que hemos investigado previamente. De estas ideas y bocetos sacaremos la propuesta de logotipo para el cliente.

Durante esta face puede que el diseñador tenga muchas ideas asi como también se encuentre bloqueado. Todo esto es parte del proceso. Si necesitas inspirarte sal a algún lugar donde despejes tu mente o busca un pasatiempo hasta que la idea madure.

COLOR

A la hora de decidir el, o los colores que llevará el logo, es importante tener en cuenta la estética y los gustos de nuestro público. Evita utilizar más de 3 colores, usar degrades o variaciones en los colores, utiliza colores de tipo pantone y recuerda que el logo debe verse bien tanto en color como a blanco y negro.

LOGOTIPO ADAPTABLE

El logo debe lucir bien ya sea en tamaño grande o pequeño, el logo tiene que tener el mismo impacto si es visualizado en un pequeño teléfono o en una pantalla gigante de un computador.

Como veras el brief es el ADN del Branding de una empresa. Sin esta información es imposible crear un logotipo profesional.

SEÑALÉTICA, FUNCIONALIDAD O ESTÉTICA

Por: Ximena Alarcón Boada

Se dice que la Señalética es el primer servicio que brinda la empresa al público, que forma parte de un sistema de mensajes que desencadenan actos y que maneja un lenguaje predominantemente visual. Su finalidad es la información, que debe ser inequívoca e instantánea, es el mejor ejemplo de comunicación funcional.

El principio de la señaletica es la máxima información con los mínimos elementos y con el mínimo esfuezo de localización y comprensión por parte del receptor. 

FUNCIONES

Su sistema comunicacional se compone de un código universal de señales y signos (símbolos icónicos, linguísticos y cromáticos) y un procedimiento técnico que se establece previamente por medio de un programa de diseño.

SUS DISCIPLINAS TÉCNICAS IMPLICADAS SON:

  • El diseño gráfico de programas
  • Planificación
  • Arquitectura
  • Ergonomía
  • Entorno o medio ambiente
  • Producción Industrial

CONSIDERACIONES IMPORTANTES

A veces la pictografía señalética requiere la incorporación de textos, no para redundar, sino para comunicar con palabras lo que es incommunicable con pictogramas.

Requiere atenerse a las normas internacionales precisas para señalética que deben ser respetadas.

Cada problema señalético es un caso particular, con sus condicionantes funcionales, arquitectónicos, ergonómicos y ambientales propios que require desarrollar programas especiales para cada circunstancia concreta.

ORIGEN DE LOS PICTOGRAMAS PARA SEÑALES

La mayoría de las señales icónicas que se conocen fueron diseñadas para las Olimpiadas de Tokyo de 1964 por Masasa Katzumie como director artístico y Yoshiro Yamashita como diseñador. Este sistema crearía el lenguaje y sería el precursor de todos.

Posteriormente y basándose en el diseño de las olimpiadas de 1964 se crearon los pictogramas para las olimpiadas de Munich 1972 por el Director del Instituto Superior de Artes Gráficas de Ulm, Otl Aicher. Este sistema sentaría las bases estilísticas con las que se harían los siguientes sistemas. Su retícula fue tan utilizada que sus pictogramas se convirtieron prácticamente en universales.

PICTOGRAMAS INVIABLES

Si los pictogramas necesitan para ser comprendidos la inclusión de un texto, que generalmente es una palabra perfectamente monosémica e inequívoca, sera preferible utilizar esta palabra en lugar de un pictograma ambiguo, dotándola de unas condiciones óptimas de legibilidad: tipografía, tamaño, contraste, color.

En otras ocasiones se recoge un programa señalético un conjunto de pictogramas existentes escogidos para cada función, pero de diferente procedencia. Entonces, agrupar tales pictogramas en un programa supone necesariamente incongruencia y ambiguedad.

La señalética que habitualmente observamos a menudo comete errores que van en total desmedro de la información, siendo los más frecuentes los que siguen a continuación:

  • Señales que forman parte de un sistema que se enfoca esencialmente en aspectos estéticos olvidando la funcionalidad.
  • Diseño de pictogramas demasiado estilizados y con un bajísimo índice de iconicidad, que casi cae en la abstracción.
  • Sistemas señaléticos que desarrollan pictogramas para absolutamente todas las señales, sin importar que en muchos casos estos no cumplan su verdadera función de orientar ya que no son lo suficentemente claros para comprenderse.

CONCLUSIONES

La creatividad y la funcionalidad son muy importantes en un diseño, en el caso de la señalética también lo son, sin embargo al momento de diseñar señales icónicas definitivamente importa mucho el grado de información que las señales nos brindan. Si es posible proponer distintas alternativas de diseño para los pictogramas, dejando de lado el modelo diseñado por Masasa Katzumie y Otl Aicher siempre y cuando se prevea el correspondiente testeo para confirmar su legibilidad y comprensión.

Algunas veces los mensajes señaléticos no son expresables por pictogramas ej. ASESORAMIENTO, DIRECTOR. O a veces el pictograma es más rápido y más claro que una palabra porque es más explícito. Lo importante es saber elegir la alternativa correcta y no obstinarse en soluciones que confundan o requieran una educación especial para ser comprendidas, no todo lo que se puede nombrar puede representar imagen.

Por tanto, al momento de diseñar un programa señalético siempre habrá que pensar en la funcionalidad por encima de todo, sin descuidar el aspecto estético que es parte de todo diseño. Es preciso recordar también que las señales llevarán pictograma siempre y cuando éste sea  suficientemente claro y comprensible y de no ser así, es mucho mejor que la señal sea verbal o escrita.

Referencia Bibliográfica:

  • Costa, Joan. Señalética Corporativa, Editorial Gustavo Gili, Barcelona, España 1981
  • www.aiga.org

INSIGHTS PUBLICITARIOS: SENTIR, ESCUCHAR Y OBSERVAR

Por: Lic. Iyorbanka Cuiza Vargas

Introducción

En las décadas de los 80 y 90 los anuncios publicitarios destacaban la ventaja diferencial de los productos e insistían hasta cansar al consumidor con las características del mismo. A este modelo publicitario se le denominó USP (Unique Selling Proposition) que quiere decir Propuesta Única de Venta.

La publicidad buscaba conseguir que el público compre los productos por el precio, por  las cualidades o por los beneficios que ofrecían. De esta manera las empresas buscaban impactar en la audiencia.

En contraposición a esta idea, las nuevas tendencias proponen la utilización de Insights Publicitarios que provocan que la gente compre por un sentimiento de identificación con el producto  que se antepone a la venta masiva del mismo.

¿Qué es un insight?

Es un recurso muy novedoso utilizado por la publicidad y el diseño que crea un vínculo entre el comprador y la marca para diferenciarse de la competencia, es una alternativa para evitar la repetición continua de atributos.

Este término proviene de la psicología y es utilizado cuando el psicoterapeuta después de varias sesiones con el paciente comprende el origen de su problema y las motivaciones que hacen que actué de determinada forma.

Si desciframos el concepto diremos que insight viene del vocablo In=adentro y sight=visión esto significa “mirar dentro del consumidor”, mirar no solo lo evidente, sino entrar en su mente y en su corazón.

El nuevo concepto, logra identificar hallazgos reveladores sobre la conducta del consumidor y permite observar situaciones que suceden en su diario vivir analizando las formas y experiencias de vida de las personas e incluso intuir sus emociones y sentimientos internos.

¿Dónde encontramos un insight?

El insight se encuentra en la casa, en la calle, en el cine, en el mercado, en una fiesta, en la vida de las personas y en cada momento en el  que pasamos distintas situaciones.

En el día a día de la gente encontramos problemas, formas de pensar, sentir o actuar que generan oportunidades para vender un producto.

Para identificar un insight se debe pensar en las necesidades, habilidades, expectativas y frustraciones del público; es importante escuchar las verdades del consumidor.

¿Quién desarrolla la investigación?

Son personas cuya tarea clave es observar y ver el mundo con ojos de consumidor, son los insighters que desarrollan una investigación activa, no pasiva. Se encargan de salir a caminar  y oler el mercado para aproximarse al consumidor desde una perspectiva más vivencial y menos teórica, analizando las formas de vida del consumidor.

El insighter debe ser capaz de sentir emociones, descubrir tendencias, decodificar símbolos, y desnudar la mente de las  personas.

Técnicas para encontrar un insight

Existen varias las formas de identificar un insight, las más utilizadas son:

  • Observación directa: Analizar el entorno social, traspasando lo evidente, ponerse en los zapatos del consumidor y entender su comportamiento; observar cómo vive, cómo interactúa con otras personas y que acciones realiza en el día a día.
  • Entrevista: Para que el consumidor cuente sus motivaciones, deseos, aspiraciones, creencias o prejuicios; una buena entrevista individual o grupal permite saber las verdades de la gente.
  • Inmersión: Convivir con el consumidor, compartiendo con él las horas de comida, actividades de limpieza, las compras, crianza de los hijos, etc. Para que de ese modo se pueda mirar el mundo tal como miraría el consumidor.

Identificar adecuadamente un insight puede ser la diferencia entre el éxito y el fracaso de un proyecto publicitario. 

Ventajas de un insight

Al momento de diseñar la publicidad se deben tomar en cuenta algunas ventajas:

  • Un insight alimenta nuevos conceptos basado en necesidades y demandas insatisfechas del consumidor.
  • Un insight genera la posibilidad de posicionamiento o reposicionamiento de un producto.
  • Un insight logra atraer la atención y fidelizar al comprador. 

De las situaciones cotidianas a los insights publicitarios

A continuación se mencionan algunas situaciones  que pueden utilizarse como insight para la publicidad:

  • Las mujeres al terminar una relación se ponen más lindas para  que su ex pareja las vea.

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  • Los hombres se  incomodan con la corbata.

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  • A los niños pequeños les gusta saltar.

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  • Los abuelos malcrían a los nietos.

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Otros insights son:

  • Los niños se ensucian cuando juegan.
  • Los jóvenes son rebeldes.
  • Cuando el marido sale a trabajar, alguien entra a casa.
  • El hombre siempre dice la última palabra…
  • Las madres son doctoras, psicólogas, amas de casa.
  • Los padres tienen  preferencia por un hijo.

 

 

ESTUDIANTES EGRESADOS DE ATENEA PRESENTAN EXCELENTES PROYECTOS DE GRADO

El pasado 4 de Julio en las instalaciones del Instituto Técnico Superior ATENEA, 44 alumnos dieron exámenes y presentaron proyectos de grado para obtener títulos en provisión nacional en: Técnico Superior en Diseño Gráfico y Comunicación Visual, Técnico Medio Bancario y Técnico Medio en Hardware y Redes. Los egresados de Bancario y Hardware y Redes rindieron la prueba escrita y práctica que dura tres horas. Los estudiantes de Diseño Gráfico y Comunicación Visual presentaron proyectos de grado.

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Cuatro jueces están asignados a evaluar cada proyecto bajo 4 categorías: manejo y aplicación adecuada de conceptos teórico-prácticos, la eficiencia en el uso de los diferentes software, creatividad y originalidad. Cada postulante tiene una hora para realizar la presentación y para responder las preguntas de los jueces.

Este examen de grado marca la primera promoción de alumnos formados dentro de una malla curricular actualizada.  “En ATENEA cumplimos 25 años en la presente gestión, sin lugar a dudas puedo afirmar que hemos cambiado el paradigma educativo. Hemos evolucionado de ofrecer una formación con alto énfasis en la enseñanza de programas diagramadores, graficadores y digitalizadores (software); a una malla curricular que también exige a nuestros estudiantes tomar materias teórico-conceptuales. Nuestro objetivo es formar profesionales competentes y capaces de desenvolverse exitosamente en el mercado laboral”… dijo la Directora Ana María Ramirez.

Dos docentes tutores de los proyectos de grado en la carrera de Diseño Gráfico y Comunicación Visual compartieron sus experiencias y opiniones acerca de los trabajos destacados.

Tutor: Rodrigo Argandoña, docente de Edición Digital, Animación Digital e Interactiva, Lenguaje de la Imagen, y Producción Audiovisual.

Alumna: Loyda Mejía Rondo – Proyecto de grado: «Book Trailer. Propuesta modelo para la promoción de los libros del Bookafé» – Nota Final 95/100.

“Loyda es una estudiante modelo con notable orientación hacia la producción audiovisual. También estudia Comunicación Visual en una universidad privada; ella afirma que gran parte del conocimiento técnico y teórico que tienen en el área gráfica editorial y audiovisual es gracias a la formación que recibió en ATENEA. Además de ser estudiante, Loyda trabaja como “freelance” y ha formado parte de equipos de producción en Marcas Asociadas SRL. Dado el gran talento que ha demostrado la he contratado como asistente de post producción en mi propia empresa Switch ON media”.

Alumna: Jaqueline Pamela Vaca Loayza – Proyecto: «Sitio Web Portafolio Online de la Productora Audiovisual Gheko srl.» – Nota final 90/100.

“Tal cuál afirma nuestra Directora Ana María Ramirez, Jaqueline es el producto exitoso de una buena formación en ATENEA. Debido a su esfuerzo y dedicación ha sido beneficiada con media beca de estudios. Es poseedora de un talento natural para la fotografía y también ha desarrollado una habilidad especial hacia el Diseño Interactivo y Web. En el tiempo que trabajó en el proyecto de grado, fue incluida como parte del Staff de Gheko SRL. donde actualmente trabaja; una muestra clara de la conformidad del cliente con su trabajo. Cabe destacar que Jaqueline apoyó al Instituto en varias oportunidades durante las sesiones fotográficas para la publicidad de ATENEA”.

“Haber sido el tutor de estas dos alumnas ha sido una primera experiencia muy gratificante. Tuve el privilegio de formar un grupo de 9 estudiantes muy motivados e innovadores que trabajaron mucho durante un largo tiempo para finalizar varios proyectos que presentan propuestas concretas y aplicables a necesidades reales. Ser parte de esta evolución institucional y guiar a los alumnos fue una experiencia muy enriquecedora. Estoy pendiente de ver que es lo que nos trae la siguiente generación, que si bien entiendo, es la primera que ha realizado todos los módulos bajo la nueva malla curricular de ATENEA”.

Docente: Sergio Calderón

Alumno: Franklin Monzón Condarco – Nota final: 100/100

Alumno: Rodrigo Flores Anagua – Nota final: 95/100

“Me siento muy feliz de haber sido el docente del quinto módulo, el último de la carrera. La nueva modalidad, de requerir un proyecto de grado que incluye investigación y la propuesta de una solución real a un reto; me parece excelente. Los alumnos, al completar este requerimiento, demuestran de forma práctica la aplicación de los conocimientos y habilidades adquiridas durante su formación en ATENEA. Los proyectos de grado representan un gran aporte a nuestra sociedad. Dos de los alumnos con los que trabajé obtuvieron las notas más altas demostrando así su talento y dedicación. En el caso de Franklin incluso tuvo que traducir algunos materiales del inglés y japonés para complementar su proyecto”.

“Con la experiencia que he adquirido como docente en ATENEA y en otras universidades, además de haber ya sido tutor de tesis; puedo afirmar que estos dos proyectos están al mismo nivel o incluso mejor que algunos proyectos de tesis que se presentan en las universidades. En unas semanas más cumpliré un año de docencia en ATENEA y me siento bastante orgulloso de ser profesor y tutor de proyectos de estos alumnos. Ahora estamos trabajando con las siguientes promociones que espero nos presenten proyectos de excelente nivel”.

La innovación y la constante actualización de nuestras mallas curriculares es parte integral de nuestra visión. Los graduados de ATENEA deben constituirse en profesionales que contribuyen con su talento y ética profesional a las empresas y a nuestra sociedad.

 

Formación para la «empleabilidad»

La asignatura tiene como uno de sus objetivos potenciar la identidad proyectual gráfica, estilo y estética de cada estudiante, comprendiendo la importancia del portafolio profesional como instrumento para la inserción laboral y enfocando las habilidades propias según las necesidades del mercado.

 

LA IMPORTANCIA DE CONOCER LAS ESCUELAS DE DISEÑO

Por: Martha Espinoza Fernández
Docente de Diseño Gráfico y Comunicación Visual – Atenea

Muchos estudiantes de diseño se sienten deslumbrados cuando logran por primera vez un efecto en photoshop, o cuando conocen por primera vez el efecto 3D en Illustrator, pero esa sensación se pierde cuando se les menciona por ejemplo a la escuela de diseño Bauhaus; una de las escuelas que marcó un antes y un después en materia de diseño.

Bauhaus, que es profe?, para qué es la Bauhaus? Los más seguros dicen: es una fuente, la vi en el panel de caracteres cuando avanzamos InDesign.

No todos, pero sí muchos ignoran, no sólo los nombres de las escuelas, sino también su gran aporte a la carrera. Diseñar sin conocer los inicios y los aportes que realizaron estas escuelas de diseño a través de la historia, es como diseñar una marca sin grilla de construcción. Estamos propensos a no tener un estilo que identifique nuestros trabajos.

¿Para qué las escuelas?

El surgimiento de estas escuelas se debe a la necesidad de los diseñadores de crear piezas audioviduales únicas y con estilos que las diferencian del resto. Cada escuela tiene un estilo que la identifica y ese estilo es la forma en que crean las diferentes piezas de comunicación. Estas características les dan una identificación visual y por ende una identidad.

¿Cuáles son estas escuelas?

Brevemente aquí nombro algunas escuelas de diseño y sus características (existen muchas más):

  • Futurismo, que aportó dinamismo en la composición, una tipografía libre y un contraste de forma y tamaño.
  • Dadaísmo, utiliza una tipografía desordenada y líneas interrumpidas.
  • Cubismo, que utiliza formas geométricas y monocromía en sus obras.
  • Constructivismo, aporta una tipografía rígida y pesada además del fotomontaje.
  • Surrealismo trabajaba con la simbología inconsciente, los sueños y la incoherencia.
  • Expresionismo, representa sentimientos, emociones, aporta al diseño dinamismo y color.

Una escuela que me apasiona por su sensibilidad hacia la sociedad y su visión de funcionalidad es la Bauhaus. La frase que resume su estilo es “la forma sigue a la función” y el minimalismo. A pesar de todo el tiempo que ha pasado y del surgimiento de muchas otras escuelas, estos principios aún los utilizamos frecuentemente.

Creo que es muy importante sumergirse en la historia de cómo evolucionó el diseño para poder encontrar e identificar cual de ellas influye en nuestra manera de crear piezas audioviduales. Al investigar una escuela específica puede ser que descubramos que dicha escuela fue influenciada por otra y esa otra por otra y así sucesivamente. Esta dinámica es una cadena en la cual todo aporte suma a lo que hoy en día es el diseño gráfico y la comunicación visual. En la actualidad podemos identificar varios de los principios de éstas y otras escuelas en diseños de marcas, revistas, afiches, y muchas otras piezas gráficas.

Actualmente los retos que se plantean al diseñador son más exigentes que los que se presentaban a fines del siglo XX. El diseño se debe adaptar a las necesidades del cliente y de sus audiencias. El diseñador a través de su creatividad y las herramientas con las que cuenta es capaz de presentar propuestas para solucionar estos retos con originalidad. Los diseñadores tenemos la ventaja de tener acceso a todos los aportes que surgieron a través de las escuelas de diseño a lo largo de la historia. Sin embargo creo que debemos poner más énfasis en la enseñanza de la historia y la evolución del diseño. De este modo los estudiantes y futuros profesionales tendrán conocimientos sólidos y consecuentemente podrán utilizar los estilos de manera congruente.

No es posible mencionar al diseño gráfico sin tener en cuenta la historia. Gracias a estas enseñanzas, hoy los diseñadores gráficos somos capaces de expresarnos de diferentes maneras creativas siguiendo o haciendo referencia a determinadas escuelas de diseño. Creo que es importante tomar estas bases que nos dejaron las escuelas de diseño así como también darles nuestro propio enfoque sin modificar sus principios fundamentales.

No cabe duda que al pasar el tiempo seguirán apareciendo nuevos estilos, generados por la diversidad de culturas y costumbres a las que seguramente daremos forma y defendemos como propias, pero no debemos ignorar la historia que nos dio los cimientos de lo que hoy tenemos en el área del diseño gráfico.

Hablar de diseño, es hablar de la cultura visual así como también es hablar de las escuelas, movimientos, y estilos que dieron la base de lo que hoy conocemos como DISEÑO.

A continuación les sugiero las siguientes sitios web:

Diseño en la educación – Diseño en la Sociedad. Una mirada diferente

Por: Walter Alejandro Astorga Quijarro
Docente Diseño Gráfico

En la última década hemos observado como la carrera de Diseño Gráfico y Comunicación Visual se ha convertido en un medio de influencia en las personas y por ende nuestras sociedades. El tipo de influencia que los profesionales (incluido yo) en esta rama podemos lograr depende de cuan comprometidos estemos con la sociedad con el fin de crear productos audiovisuales que mejoren la calidad de nuestras vidas. La educación como uno de los pilares fundamentales de la sociedad es una de las áreas más complejas de articular e implementar en la actualidad. La tecnología y otros se han convertido en instrumentos fundamentales para la educación, y conjuntamente con el diseño, pueden ser de gran utilidad para la mejora de nuestra sociedad.

El diseño puede ser utilizado con fines altruistas o negativos; para promover ciertas ideologías ya sean justas o no; para promover la mejora en la educación; para difamar a un grupo de personas; o para fines individualistas y de superación personal. En fin, la decisión que cada cual tome, está en manos de cada profesional. Analicemos el diseño en nuestro contexto actual y reflexionemos.

Plantear Soluciones para los Problemas

Donde existe un problema, hay que plantear una solución. Este es un principio de vida bajo el cual las sociedades evolucionan. Hoy en día este principio se ve altamente complicado debido a todas las herramientas con las que contamos. En muchas ocasiones vemos como las soluciones planteadas son superficiales y no proponen buenas estrategias a largo plazo y sostenibles; más bien son parches temporarios. Muchas veces he escuchado hablar acerca del rol de los diseñadores en nuestra sociedad; sin embargo se queda en sólo eso, conversaciones que no se transforman en acciones.

El Diseño nace en la sociedad y para la sociedad, y al mismo tiempo se desarrolla ante una necesidad concreta. El Diseño gráfico y Comunicación Visual como profesión actual y joven en nuestro medio (Bolivia) tiene un mercado amplio y próspero, donde la mayor parte de los profesionales apuntan a hacer carrera en una agencia de publicidad, estudios de diseño o imprentas; todos con la visión de crecer y ser diseñadores reconocidos. Estos objetivos son válidos, sin embargo los profesionales en diseño gráfico y comunicación visual pueden hacer mucho más que lo ya mencionado. Específicamente podemos ser actores principales en crear cambios positivos en nuestro medio. Algunas personas me preguntan: “Los profesionales necesitamos trabajar y optar por tener un buen nivel de vida. Debemos trabajar en empresas que pagan bien… ¿Qué esperas?” No estoy en desacuerdo, sin embargo si analizamos con claridad los conocimientos que tenemos y el impacto que podríamos tener en otras áreas de tipo social, vemos que tenemos la capacidad de hacer mucho más que sólo publicidad. Yo les pregunto ¿Nuestra profesión es sólo para ganar dinero y sobrevivir? ¿Una carrera es sólo tener el título? ¿Dónde está nuestro compromiso con la sociedad?

El enfoque y cómo hagamos las cosas (si las amamos hacer, si amamos nuestra carrera) nos llevan a pensar con más profundidad si realmente estamos cumpliendo como profesionales miembros de esta sociedad.  Creo que debemos recuperar la esencia de lo que significa ser un profesional en Diseño Gráfico y Comunicación Visual (sin desmerecer lo que es Diseño Gráfico y la Comunicación Visual en la parte comercial – publicidad u otros). Invertimos una gran cantidad de talento creativo en fines lucrativos y para el consumismo. Sin embargo existe un descuido y despreocupación real y latente en el área del diseño con fines sociales y educativos. Por ejemplo podríamos crear piezas de diseño con mensajes de responsabilidad social, hacer casos de estudio de diseño para la mejora de la señalética de nuestra ciudad o simplemente crear piezas didácticas de diseño para la mejora de la educación de un grupo determinado. El diseño no es simplemente un instrumento para promocionar productos o hacer publicidad a favor de quienes pagan grandes cantidades de dinero; es también una excelente herramienta que puede ser utilizada para mejorar la calidad de vida de las personas.

El tema de la educación, es fundamental en nuestro país. ¿Cuánto invertimos en la educación de las personas? ¿Cuánto el gobierno actual invierte en ello? ¿En que estado está el sistema de educación en las instituciones públicas y privadas? Sin entrar en detalles redundantes ya conocemos bien la mediocridad de los sistemas educativos en nuestro país. Yo pienso que debemos dejar a un lado las críticas y lamentos para más bien plantearnos si realmente el Diseño Gráfico y la Comunicación visual están siendo tomados en cuenta como un instrumento para re-estructurar el sistema educativo. Un número significativo de personas desconocen las características, el talento, y las posibilidades que ofrecen la carrera de Diseño Gráfico y Comunicación Visual y los profesionales formados en la misma.  Es por eso que yo pienso y propongo que nosotros, los profesionales en Diseño, tenemos y debemos asumir la responsabilidad de educar a las personas sobre los múltiples usos y aplicaciones de nuestra  carrera y todas las posibilidades que tenemos para poder contribuir positivamente a la educación y por ende a mejorar nuestra sociedad. Esta responsabilidad también la tienen instituciones educativas que forman a profesionales en Diseño.

¿Por qué el Diseño Gráfico y la Comunicación Visual?

Está comprobado que la mayor parte de la información que guardamos en nuestro cerebro la adquirimos a través de la vista. Lo visual es práctico, eficiente y llama la atención de las personas rápidamente. Entonces yo creo que a través de una buena pieza didáctica (infografía, esquemática, etc.) podemos informar/educar de manera mucho más eficaz que mediante un libro lleno de sólo textos. Pienso que el paradigma de la mejora en la educación podría radicar en crear un sistema piezas didácticas y visualmente eficientes que contengan la información necesaria para hacer que los estudiantes puedan no sólo leer y escuchar, pero también visualizar los contenidos.  Si estoy en lo correcto y mi idea representa una propuesta real; ¿Cómo nos organizamos y realizamos una propuesta seria? ¿Cómo conseguimos el apoyo de la gente para que se nos tome en cuenta en estos procesos? Debemos lograr que conozcan nuestros talentos y lo que podemos hacer.

Crear un equipo multidisciplinario

A lo largo de los 10 años que he estado practicando y enseñando Diseño Gráfico he aprendido que uno de los aspectos más importantes en la vida profesional es saber apreciar y reconocer el talento y los conocimientos de otros profesionales. En mi experiencia he aprendido siempre más de profesionales que demuestran humildad y la abiliad de adaptar sus conocimientos a todo tipo de realidades y siempre buscan trabajar dentro de un equipo multidiciplinario con el objetivo de crear piezas comunicacionales efectivas. Trabajar dentro de un equipo multidisciplinario sería ideal para poder desarrollar propuestas serias para mejorar el sistema de educación en nuestro país. Los diseñadores gráficos deberíamos trabajar con profesionales en las áreas de psicología, sociología, pedagogía y otras ramas afines. Con todo esto en mente pienso que los diseñadores gráficos en Bolivia debemos reflexionar acerca de la misión que tenemos como profesionales y miembros de nuestra sociedad. Creo firmememte que debemos iniciar un cambio de pensamiento que nos condusca a involucrarnos activamente en la mejora del sistema educativo en nuestro país. En resúmen creo que es hora de asumir una responsabilidad de índole social con nuestra sociedad.

Tengo la esperanza de que los diseñadores y comunicadores visuales no sólo optemos por aplicar nuestros conocimientos en proyectos con fines comerciales. Espero que podamos usar nuestros talentos  en causas sociales. Por último espero que las Universidades e Institutos tomen parte en esta visón de formar a profesionales capaces y con un elevado sentido de responsabilidad social.

Hacia dónde van las marcas

Por: Joan Costa

Los cambios, la rapidez de los mismos, y la competitividad creciente afectan a las estrategias marcarias, a la creatividad y a la economía. Las empresas y los profesionales deben conocer el sentido de las nuevas tendencias de gestión.

1. La marca no es el producto, sino lo que ambos significan juntos. Una marca que no significa nada para alguien, está muerta

El producto es el soporte de la marca. Ninguna marca existe sin aquello que la justifica y le da sentido. Es decir, el producto o el servicio, la empresa y el público. La marca es la síntesis de la empresa, el producto/servicio y su comunicación.

La “utilidad” de los productos como un frigorífico, una cafetera o un reloj, no es por sí misma distintiva, ya que al pertenecer a un mismo género de productos, todos son igualmente útiles e intercambiables. Todos los frigoríficos sirven para lo mismo, igual que todas las cafeteras, los relojes, las líneas aéreas y los bancos, sirven a una misma utilidad: conservar alimentos, producir café, saber qué hora es, volar, gestionar el dinero. Sólo en los casos excepcionales en que el producto tiene una singularidad intrínseca, él mismo es distintivo. Y así forma un todo coherente. Es el universo de la Marca.

2. ¿Cómo recordar las marcas, si sólo en Europa hay más de 6 millones de marcas registradas?

El primer instrumento con el cual comunicamos y recordamos las marcas es el Nombre. He aquí un aspecto especializado de la creatividad para la estrategia del negocio, que ha dado lugar a las técnicas del naming. Lo que no tiene nombre no existe. Y por el hecho mismo de que la marca empieza con el nombre, he incluido en mi “Diplomado Internacional on-line de Creación, Diseño y Gestión de Marcas”, la materia del Naming, la creación de nombres de marca, designaciones, nomenclaturas, etc., o sea, todo lo que constituye el mundo de la marca verbal.

La segunda herramienta para que una marca se imponga y sea recordada es la forma visible que se da a ese nombre. Es la marca visual. Los logos, los símbolos y los colores distintivos. La originalidad y la potencia del diseño gráfico contribuye en gran medida a llevar una marca al top mind, a lo más alto e inmediato del recuerdo. ¿Por qué? Porque lo que se ve se recuerda mejor que lo que solamente se oye o se lee.

El conjunto indivisible que forman la marca verbal y la marca visual es el escudo que ampara el conjunto de la empresa, la línea de productos, el programa de servicios, la gama de bienes, que se refuerzan recíprocamente gracias al poder concentrador de la marca.

3. Actualmente, ¿los profesionales están preparados para crear y gestionar las marcas de forma eficaz?

Lo que sucede es que las marcas no son cosas simples. Son realidades complejas y con muchas facetas. Por tanto, o se requiere un trabajo de equipo, lo que no siempre es posible para pequeñas y medianas empresas, o bien la gestión de la marca se parcela y se trocea en exceso. Uno crea el nombre, y para esto existen gabinetes especializados. Otro se ocupa del diseño de identidad. Otro crea el embalaje. Otro los anuncios, las campañas. Otro hace la investigación, etcétera. Todos bajo los criterios de marketing, la estrategia de posicionamiento y la necesidad de crear una imagen de marca, global: una supermarca.

Entonces, el problema no es tanto el de la especialización de cada uno de los que intervienen en el proceso. El problema es la coordinación de todos.

Pero eso no es siempre posible. En estos casos, la solución está en que cada profesional se prepare para ofrecer a las empresas un “programa de servicios integrados”, que resuelva el conjunto de soluciones que poseen características y lógicas comunes. Por ejemplo, todo lo que tiene que ver con la comunicación más intemporal (o menos puntual), estratégicamente puede estar en unas mismas manos. Es el caso de la creatividad en naming, que debería estar estrechamente vinculada de modo natural al diseño de marcas gráficas, de embalajes y otros elementos afines. Esta parte de la comunicación de la marca es sustancialmente diferente de aquella otra que concierne a los medios, la publicidad, las campañas, los anuncios, que son por naturaleza efímeros y necesitan renovar constantemente los mensajes.

Si entendemos la comunicación de la marca desde ese aspecto temporal: los elementos básicos de larga vida, como el naming, la marca gráfica, la identidad, el packaging, por un lado. Y por el otro, los elementos variables, constantemente renovados y rápidamente obsoletos, como los anuncios, las campañas, los eventos; entonces nos daríamos cuenta del gran rendimiento económico que conlleva el trabajo gráfico y, por el contrario, las grandes y contínuas inversiones que requiere la difusión mediática.

4. Las últimas tendencias en la creación y estrategia de marcas van a “marcas globales” para productos puntuales agrupados

La tendencia a las marcas globales se apoya en que es mejor pocas marcas para muchos productos, que una marca para cada producto.

Esto tiene grandes ventajas. Económicas, porque gestionar y publicitar una marca es más rentable que tener que hacerlo con diez. La explotación de la marca global es infinitamente más eficaz, porque una sola marca ampara diferentes productos y variantes de éstos. Para el mercado, no hay duda de que el problema de recordar se simplifica radicalmente, porque la empresa no obliga al público a recordar sus diez marcas, sino sólo una. Con una sola marca en la memoria el consumidor tiene toda una variedad de productos en la cabeza.

Esta tendencia a las marcas globales o megamarcas exige un enfoque del naming muy particular. Consiste en crear nombres que tienden a ser abstractos, o evocadores, pero no descriptivos de un producto o una función. Es así cómo pueden ser globales. Es decir, que los nombres que tradicionalmente describen la clase de producto o su utilidad, limitan, por eso mismo, el uso de los otros productos de la firma que podrían cobijarse en la marca madre. En cambio, un nombre sonoro, que sugiera el posicionamiento, o un nombre abstracto, permiten desarrollar líneas, programas y familias de productos, y diversificarse bajo este mismo único nombre.

La estrategia es la del portafolio. Consiste en diseñar grupos o familias de productos que se inscriben en un mismo territorio y posicionamiento, en lugar de productos y marcas huérfanas. La estrategia será, entonces, un nombre para cada programa de productos. He aquí el cambio de escala.

Para resumir esta estrategia, observemos que las empresas de antes creaban productos que necesitaban marcas. Hoy creamos una marca que genera productos. La diferencia es abismal.

5. Conclusiones

De estos criterios estratégicos devienen otras tendencias que conciernen a la comunicación. Entre ellas, una muy importante: asociar el nombre de la marca al de la empresa, o haciendo que empresa y productos, o servicios, se sinteticen en una marca única. Es el ejemplo de las firmas niponas y de muchas empresas de servicios donde el nombre de la compañía es el mismo de los productos o de los servicios. Una estrategia que cada vez es más extendida también en Occidente.